Life lines


Exhibition in San Felipe Neri Oratory, Toledo.

With Alfredo Copeiro.

Curated by Inés Alonso Jarabo.

The entity only exists when it is (if I don’t see it, I don’t believe it), we have to perceive it and understand it for it to be. In Heidegger’s Seindes (entity) and Sein (being), where being means existing and vice versa, the essence is in the presence. According to this, art exists when it is perceived and one becomes aware of its existence, as it happens with everything that comprises our reality. It is then, when understanding fulfils the reality and the memory puts it together, as in the impressive Gothic architecture that we discover if we look up at the San Felipe Neri Oratory. And it is precisely here, under this gothic sky, where Alfredo Copeiro and José D. Periñán bring this profound reflexion closer to the viewer, through works that materialize the complex concepts of space and time, bringing the essence into the presence of our existence.

What fits in the Halda.

The stroke of Life lines.

In Halda, Alfredo Copeiro takes the substance of the earth through a fabric that is diluted until the present, invading the space of San Felipe Neri and the viewer. José D. Periñán’s Lines of life are made of quicklime –forgive the irony– and illuminated by a light that only exists in the moment in which they are contemplated. After all, since reason is found in human nature, the exercise of reflection and the search for understanding are instinctive and innate to the being. Kant sustains the existence of an a priori as a series of human predispositions that make us understand the world in this way and not another, programmed like this. For Kant, in sensible experience things are presented in space and time, but these are not real, just the a priori way we have to order our perceptions throughout life, building the architecture of our memory. Historically, the reasoning for space-time can be affirmed as one of the oldest of humanity, as exemplified by Stonehenge or the different sundials of cultures such as the Egyptian, the Greek or the Mayan. All of them, understanding the indivisible relationship between space-time and its fundamental role in our existence and experience of the world. This way, Lines of life measures linear, quantitative and phenomenological time, which draws the passage of time with the shadow leaving the path of the sun on the ground of San Felipe Neri, while Halda breaks into that path to remind us where all this happens, in the presence, on the ground, with a special nod to La Mancha through traditional weaving, which reminds us that this experience of the world is arranged by a known model that has shaped that weaving. The warp and the woof and Halda’s own graphic temporal references are evidence in the space of the passage of time, composed by organised moments that precede it creating a motif. It is qualitative the one that transcends, how we make our knots will remain in the fabric; How we draw our graphs on the Life lines will remain in the future we leave behind, in the planet we inhabit and in the society in which we participate. As the sculpture grows, it may or may not fit in the oratory. We are undoing that fabric by taking from it more than it can give, we are accelerating the processes of life with quicklime. Memories bring the viewer to the present moment to invite them to stop. The calmness of the oratory and the presence of the pieces seeks to arouse curiosity and isolate us from the noise to bring us closer to what is fundamental. To rethink the importance and transcendence of things in a space-time that, according to Kant, is not even real. At the end, it is only what is left to others what transcends.

Ciclo -Presencia y esencia.

Oratorio San Felipe Neri. Consorcio de Toledo.

Hasta el 30 de julio de 2022.




Instalation 280 x 1000 cm.

The title of the work is between care and caer (fall in spanish). It is a reflection on the individual and the collective. Each of the concrete pieces that make up this climbing wall is an extract from the body of a person from the author’s social and emotional environment.

It was exhibited in October 2018 within the collective exhibition ARTISTAS DESCRITO in San Clemente de Toledo, curated by Alfredo Copeiro

#caer #fall #care #rizoma #boulder #bodies #multiplicity #archipiélago

Migration coupé

2009 – 2016

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Tenerife, 2009

Miguel Fernández Campón. Zaragoza, 2016.

«Art at the end of the earth: the limit of the coastline as a zone of aesthetic ontology».

Presence as insistence and as a tectonic block of de-territory that stirs up the quiet un-hiding of the earth is what we find in José Delgado Periñán’s series Migration coupé (2009-2016). What happens when we can be spectators before a theatre of lifeless bodies? If Santiago Sierra hid migrant workers under the earth, now we are forced, like privileged spectators who have been invited to occupy the box of visibility, to witness their death. To this end, José Delgado creates figures of corpses with sand in different areas of the Spanish coastline, such as Tenerife, Cádiz and Valencia. On our beaches, extroverted spas of post-capitalism, an end to the performance is celebrated that coincides with the death of the actors. The film of the spectacle of migration has been cut, making the surface of the earth a final frame where bodies lie and dissolve. That image of Heraclitus playing with the children on the beach of becoming, of flux and transit, now becomes the image of Heraclitus observing the disaster of that which wants to be and to perpetuate itself as being. The pre-Socratic philosopher can do nothing but note the death of Aylan Kurdi, the three year old Kurdish boy who was found drowned on the Turkish beach of Bodrum, and rethink the scandal of an allogical logos and of a technically and onto-theologically programmed death. For what can the death of the other be, when there is no other? It dies. So goes the maxim that turns the coast into the amphitheatre of dying later, and the beach into a zone of survival and deferral of death. In the arena of the spectacle, an irreversible selection takes place that constitutes our being-in-the-world: either we are Antony Gormley’s contemplators of the landscape in works such as Another place (1997), beings-that-return who, thanks to the variations of the tide, carry out calm exercises of immersion and surfacing as comfortable ablutions of immunity, or we are José Delgado’s emigrants who cannot distance themselves from things until they configure themselves as beings-that-never-return. From current contexts, the phrase «neither by land nor by water will you find the road that leads to the Hyperboreans», a quotation from Pindar that Nietzsche included in the first pages of The Antichrist, reveals nothing but the radical impossibility of reaching us, the beings-who-can-reach-everywhere, the planners and advanced executors of spatial and temporal différance. It is possible to keep turning to poet-thinkers such as Nietzsche, Hölderlin and Heidegger to pose interpretative distortions from which to write, as if we were immobile experimenters of meaning, an incorrect account of the margins. We would find that, from post-historical turns and in the face of Migration coupé, Nietzsche’s formula of happiness, «one yes, one no, one straight line, one goal» 40 , acquires, under geopolitical atmospheres of migration, a perverse redefinition, formulable in the following terms: one yes (the West-paradise), one no (poverty and war), one straight line (flight and migration path), one goal (death or return). On the beach as a concentration camp built by those who can against those who cannot, Hölderlin’s verses quoted and rethought by Heidegger, «where the danger is, the saviour also grows» offer the possibility of introducing, in their pragmatic drift, an unexpected humanitarian aid as an explicit demonstration of economic self-management, characteristic of a being-for-itself that rewards, because it can, those who have risked too much. «Only a god can save us». Is there a greater love of fate? Sloterdijk’s aletothopo as a place of truth fulfils in the littoral its de-veiling as a dumping ground, where the repetition of death as technical appropriation fertilises the coastal land of the welfare state. «In such a way, différance, considered in the perspective of Freud’s observation, does not only, and not even in the first place, conceal the rupture with the absolute present (as a mode of time), but, in principle and above all, the gap in space». But the de-veiling of the earth as a clear ontological-political being is also defined by José Delgado as a debilitating opportunity. When the sand sculptures dissolve, little by little, in the water of the sea, we realise that our theatre of cruelty lacks foundation, and that our territoriality, constructed with the same sand as the figures of the immigrants, is, in essence, fragile. The comfortable landscape of the beach is now the punctured place of an alter-ontology before the body of the other. And it will be the place punctured by radical alterity that will make possible an alternative unveiling of the self. Does the other not open up a spacing and a theology in the face of the body of the other?

Cádiz, 2014
Línea (2014) is a set of photographs of an action carried out on the beaches of Cádiz, which each year receives a large number of migrants in small boats from Africa (whose traces the author has witnessed since childhood). This work is part of the series Migration coupé (2009-2016), in which he reflects on the concept of territory and border while modeling bodies of beach sand and taking a photographic record of their dissolution by the action of the water carried by the tides. In the case of this specific work, a line of heads was drawn in a slight diagonal towards the ground. In this performance lasting several hours, hundreds of heads were modeled as if they were points that make up a line of sand faces (figurative portraits of the people drowned on the trip between the two continents) those that were being reached by the waves dissolved (the oblivion).

Se Alquila Proyecto. MARGEN. Plaza del Auditorio del Recinto Ferial de la Casa de Campo de Madrid. 2016

Miguel Fernández Campón. Zaragoza, 2016.

«Arte al final de la tierra: el límite del litoral como zona de ontología estética»

La presencia como insistencia y como bloque tectónico de des-territorio que revuelve el tranquilo des-ocultamiento de la tierra es lo que encontramos en la serie de José Delgado Periñán Migration coupé (2009-2016). ¿Qué sucede cuando podemos ser espectadores ante un teatro de cuerpos sin vida? Si Santiago Sierra ocultaba bajo la tierra a los trabajadores inmigrantes, ahora se nos obliga, como a espectadores privilegiados que han sido invitados a ocupar el palco de la visibilidad, a presenciar su muerte. Para ello José Delgado realiza con arena figuras de cadáveres en diversas zonas del litoral español, como Tenerife, Cádiz o Valencia. En nuestras playas, balnearios extrovertido del post-capitalismo, se celebra un final de la representación que coincide con la muerte de los actores. La película del espectáculo de la migración ha sido cortada, haciendo de la superficie de la tierra un fotograma final donde yacen y se disuelven los cuerpos. Aquella imagen de Heráclito jugando con los niños en la playa del devenir, del flujo y del tránsito, pasa ahora a ser la imagen de Heráclito observando el desastre de que lo quiere ser y perpetuarse como ser. El filósofo presocrático nada puede hacer sino constatar la muerte de Aylan Kurdi, el niño kurdo de tres años que apareció ahogado en la playa turca de Bodrum, y repensar el escándalo de un logos alógico y de una muerte técnica y onto-teológicamente programada. Porque, ¿qué puede ser la muerte del otro, cuando no hay otro? Eso muere. Así reza la máxima que convierte la costa en el anfiteatro del morir más tarde, y la playa en una zona de supervivencia y diferimiento de la muerte. En la arena del espectáculo se lleva a cabo una selección irreversible que constituye nuestro ser-en- el-mundo: o bien somos los contempladores del paisaje de Antony Gormley en obras como Another place (1997), seres-que- regresan y que realizan, gracias a las variaciones de la marea, tranquilos ejercicios de inmersión y salida a la superficie como cómodas abluciones de inmunidad, o bien somos los emigrantes de José Delgado que no pueden tomar distancia para con las cosas hasta configurarse como seres-que- no-regresan- jamás. Desde contextos actuales, la frase “ni por tierra ni por agua encontrarás el camino que conduce a los hiperbóreos”, cita de Píndaro que Nietzsche incluyó en las primeras páginas de El Anticristo, no revela sino la im-posibilidad radical de llegar hasta nosotros, los seres-que-pueden- llegar-a- todos-los- lugares, los planificadores y ejecutores aventajados de la différance espacial y temporal. Es posible seguir recurriendo a pensadores-poetas como Nietzsche, Hölderlin y Heidegger para plantear distorsiones interpretativas desde las que escribir, como si fuéramos inmovilistas experimentadores de sentido, un relato incorrecto de los márgenes. Encontraríamos que, desde virajes post-históricos y ante Migration coupé, la fórmula de la felicidad de Nietzsche, “un sí, un no, una línea recta, una meta” 40 , adquiere, bajo atmósferas geopolíticas de migración, una redefinición perversa, formulable en los siguientes términos: un sí (occidente-paraíso), un no (pobreza y guerra), una línea recta (huída y camino de migración), una meta (muerte o devolución). En la playa como campo de concentración construido por los que pueden frente a los que no pueden, los versos de Hölderlin citados y re-pensados por Heidegger,“allí donde está el peligro, crece también lo salvador” ofrecen la posibilidad de introducir, en su deriva pragmática, una inesperada ayuda humanitaria como demostración explícita de auto-gestión económica, propia de un ser-para- sí que premia, porque puede, a los que se arriesgaron demasiado. “Sólo un dios puede salvarnos”. ¿Existe un mayor amor al destino? El aletothopo de Sloterdijk como lugar de la verdad cumple en el litoral su des-velamiento como vertedero, donde la repetición de la muerte como apropiación técnica abona la tierra costera del estado del bienestar. “De tal manera, la différance, considerada en la perspectiva de la observación de Freud, no encubre únicamente, y ni siquiera en primer lugar, la ruptura con el presente absoluto (como modo del tiempo), sino, en principio y ante todo, el desfase en el espacio”. Pero el des-velamiento de la tierra como claro del ser ontológico-político es también definido por José Delgado como oportunidad debilitante. Cuando las esculturas de arena se disuelven, poco a poco, en el agua del mar, constatamos que nuestro teatro de la crueldad carece de fundamento, y que nuestra territorialidad, construida con la misma arena que las figuras de los inmigrantes es, en esencia, frágil. El paisaje confortable de la playa es ahora el lugar agujereado de una alter-ontología ante el cuerpo del otro. Y va a ser el lugar agujereado por la alteridad radical el que haga posible un des-velarse alternativo del ser. ¿Acaso el otro no abre un espaciamiento y una temporalización nueva?


2013 – 2016

«The day has come. We have been waiting for it. All hands are joined. The fingers are joined. There are thousands, millions of hands intertwined. All are waiting. There is the sound of breathing. Everything is oxygen. Overwhelming oxygen. The free crowds never exhale carbon dioxide, but an extravagantly clean air. There is a silence that sweeps the world, a strange peace that inaugurates a logic close to madness. It is now.

Multitudes, libro. Dibujo / Textos de Miguel Fernández Campón. / Prólogo de Miguel Corella. / Diseño editorial de Alfredo Copeiro. / Correcciones Joaquín Copeiro. Descrito Ediciones, 2016.

» (…) Este libro sobre la multitud no busca pues definir el concepto con claridad y distinción, sino que simplemente lo nombra una y otra vez para escuchar su resonancia. En lo múltiple resuena lo diverso y lo diferente, la diferencia misma. ¿Qué une a esos múltiples singulares que pueblan el planeta, que deambulan por las calles de nuestras ciudades o que navegan en internet? Nada más que la igualdad radical en su diferencia, pues nada les une más que su presencia a un tiempo o el hecho de que ocupan un espacio en el que no podemos imponer jerarquías. Nada en común más que el estar inevitablemente unidos por una compleja trama de relaciones. Nada que compartir más que el deseo de hacerlo.
El libro que el lector tiene en sus manos es él mismo un libro compartido: entre dos autores y también entre dos formas de decir, la escritura y el dibujo. Dibujos que dicen y letras que imaginan, las dos ensayan juntas, pero cada una a su manera, un decir poético sobre la multitud. Poético porque deliberadamente renuncian a la exactitud tiránica del concepto y se mueven en el ámbito de la evocación. Letra e imagen componen también una especie de composición musical en la que una resuena en la otra y escucha el eco que provoca. Ambas están sometidas a un mismo ritmo in crescendo que se hace más evidente en los dibujos de José Delgado Periñan. Estos comienzan con una sola figura que se va multiplicando: primero un punto, luego un punteo, un frente que empuja, una corriente que fluye, una masa que crece y se ramifica. Al final esta multitud de singulares forma estructuras orgánicas que crecen en rizoma, como crecen las células para formar tejidos, por contacto, por contagio; como crecen las ramas o las espirales.
También el texto de Miguel Fernández Campón va creciendo desde la primera afirmación, en cierto sentido solitaria e impotente, hacia el final de un entusiasmo compartido. Comienza constatando la dificultad de dar cuenta de la multitud y lo inapropiado que resultan las explicaciones sociológicas empeñadas en reducir la experiencia a sus causas, antecedentes o consecuencias. Comprender aquí no puede consistir en someter a concepto a fuerza de eliminar las diferencias, sino en una apertura a la diversidad. Es algo que no puede hacerse con la asepsia de la disección ni con la distancia de la contemplación y debe consistir en una comprensión implicativa. La multitud se dibuja entonces como algo en constante movimiento, compuesto por pluralidad de acontecimientos; algo que más que ser está siempre en un aquí y ahora; algo a lo que conviene el verbo ir más que el verbo ser. En su movimiento la multitud es materia viva. Este significante, vida, vitalidad se va desplegando en una cadena de asociaciones poéticas y así la multitud se nos presenta como risa y euforia o como población y repoblación, en un crecimiento que todo lo inunda. Finalmente, el movimiento muda hacia metáforas musicales y se convierte en danza y música, compuesta de sonidos, murmullos o estruendos. El ritmo se revela de este modo como otro significante adecuado a la multitud, hecha de la repetición de singulares, de la multiplicación de puntos y del agregado de voces. Miguel F. Campón recorre en su texto las principales metáforas con que la tradición ha ido construyendo el concepto de multitud: campo de trigo, bosque, mar de olas, cuerpo, espiral… imágenes que han pretendido recortar la figura fantasmal de lo que no tiene rostro ni silueta.
Partiendo de la incapacidad de decir de una vez lo que se dice de innumerables maneras el libro acaba en una cascada de declaraciones esperanzadas. Confía finalmente en que el cielo inalcanzable se pone a nuestro alcance cuando lo reducimos a simple espacialidad, es decir, a la suma de uno más uno que configura un “todos los demás”. Frente al miedo, la multitud afirma el amor. Frente al malestar que siempre genera el contacto y el roce con el otro, este libro nos amina al goce en la proximidad y a sumergirse en la indistinción multitudinaria. En las últimas páginas este entusiasmo se traduce casi en una consigna política, convencido de que nuestros días son los de la ocasión o la oportunidad para una decisión libre y valiente.»

Texto extraído del prólogo de Miguel Corella. Profesor de Estética y Arte Contemporáneo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Valéncia, 2016.

La forma primordial


Su génesis conceptual parte de la diferenciación entre formas de gobierno y sociedad civil planteada por el pensador boliviano René Zabaleta (Tapia, 2009), quien postuló que a cada formación social correspondería una forma primordial definida. Pero ¿qué sucede cuando hemos de representar realidades multisocietales? Los poliedros regulares de la geometría definidos como sólidos en el Timeo (Platón, 2011) son tomados como estructuras fundamentales de las múltiples formas de gobierno existentes. Platón quiso que los elementos primarios (tierra, agua, aire y fuego, también la quintaesencia del cosmos) quedaran contenidos en la identidad con los sólidos de la geometría, y Kepler llegaría a incluirlos en los diseños para su obra Harmonices Mundi (1619) (Fig. 8) (González Urbaneja, 2001, pp. 231-232). Pero, ¿cuál es el material con el que José Delgado construye las formas? El sustrato material elegido son fotografías de grandes agrupaciones humanas. Mientras que en el diseño formal los sólidos pitagórico-platónicos hacen que los polígonos regulares converjan entre sí, la aparición de las masas abre una divergencia inconmensurable entre finitud e infinitud. La masa disuelve desde dentro las estructuras fuertes del poder político, que ahora se muestran como construcciones insignificantes y meros espacios de juego, arrasando las coordenadas de cualquier código representativo desde un desbordamiento diferencial. Platón y Kepler ignoraron que los elementos se parecen demasiado a los símbolos de masa clasificados por Canetti (entre otros, el trigo, el bosque, la lluvia, el viento, la arena, el mar y el fuego) (Canetti, 2002, p. 83-103), y que el ser puede comprenderse en el estallido hacia la masa abierta y la multiplicidad. Las estructuras de José Delgado han dejado de ser únicas y unitarias para desbordar, en su representación imposible y sublime, la continuidad de las identidades y las semejanzas (Lyotard, 1998). «¿Por qué el ser y no la nada?», se preguntaba Heidegger en ¿Qué es metafísica? La obra de José Delgado podríamos servirnos para responder, junto a Deleuze, que el ser y la nada se parecen como hermanos (Deleuze, 2006, p. 32), y que quizá la pregunta pertinente se formula hoy en los siguientes términos: ¿por qué la masa y no la nada?

Si en Deshacer la estructura encontrábamos un ser-con que disolvía la soledad metafísica, en La forma primordial se realiza un giro distorsionante que supone el reconocimiento de un ser-con suceptible de ser-masa. Pero, ¿adquieren plenamente las agrupaciones infinitas de individuos la categoría de masa en las obras de José Delgado? Todas ellas cumplen tres atributos de la masa definidos por Canetti: la voluntad de crecimiento (desbordamiento infinito de los límites), la igualdad (ausencia de jerarquía de sus componentes) y la densidad (espacio casi inexistente entre los cuerpos) (Canetti, 2002, pp. 22-23). Sin embargo, existe un cuarto atributo. Según Canetti, la masa necesita de dirección o movimiento que tienda hacia una meta. ¿Podemos considerar que las masas de José Delgado se dirigen a algún lugar? La masa fotografiada parece permanecer inmóvil, y no hay meta ni finalidad que regule su movimiento. No hay una dialéctica de la historia que impulse a las masas a invertir-reparar- devolver-restituir el motivo que las llevó a reunirse. Se comportan como seres que han abandonado la temporalidad del proyecto y las causas finales. Si hay algo que comparece en las masas de José Delgado es una ausencia del espíritu de venganza del que Nietzsche-Zaratustra nos advertía como último fundamento de la metafísica (Nietzsche, 2006, pp. 207-212) (Heidegger, 2001, 75-93). Y será esta ausencia la que re-defina la particularidad el ser-masa hacia nuevos giros conceptuales.

Miguel Fernández Campón. Valencia, 2015.

Parte de las imágenes de este proyecto sirvieron para ilustrar el libro “Repensar la España Plurinacional”, publicado por Icaria Editorial en 2017.

ISBN: 9788498888027



Capturas de pantalla de vídeo-chats aleatorios.

Screen shots from random video-chats.

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Friends collection


Registros físicos de amigos de redes sociales para catalogación, clasificación y almacenamiento.

Physical records from social network friends for cataloging, sorting and storage.

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Series fotográficas sobre las posibilidades de ser en el espacio de trabajo.

Photographic series about the possibilities of being in the work-space.

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